【理財周刊記者顏瓊真報導】「塵，是無常，是日常，是物質風化後的殘餘與延續；金，是光之閃現，是信念的沉澱，是靈性不可銷蝕的回聲。」高雄金馬賓館當代美術館舉辦《Dust and Gold 塵與金》藤村真、道川省三雙個展，藉由塵與金的藝術家觀點，點亮每位觀展者內在的光源，體驗材質藝術的美感。
由金馬賓館當代美術館策劃，永添藝術、ALIEN MODE 與正藝美學暨財團法人卓越藝術傳播基金會協力製作，自2025年9月28日至2026年8月30日展出為期一年的《Dust and Gold 塵與金》，不僅囊括近年來藤村真最具代表性的作品系列，亦是道川省三在台灣首度參展。
本展呼應了當代藝術介於繪畫與行為、雕塑與行為之間的趨勢大題，同時關注兩位藝術家如何透過各自的媒材與行動，將藝術付諸文化關懷，展現超越語言的純粹力量，進而創造拓及國際社群的影響力。
譬如藤村真創立的國際藝術運動組織 IAM Culture Care，經由藝術關注人道救援、重建破碎的社會圈層，而道川省三則創立笹間國際陶藝節 Sasama International Ceramic Art Festival，匯聚國際藝術家進行交流創作，為人口外移及老化的靜岡縣山區注入活水。
策展人邵雅曼表示：「兩位藝術家從材質的本然出發，發揮材質的應然，藤村真以光與礦物顏料層疊，抒繪沉靜而虔敬的祈禱，道川省三則以火與陶土，表現自然的律動與裂變，其內蘊的藝術能量，導引我們看見事物如何在時間的流轉中被形塑；銀箔會隨時間推移而變色，陶土經過火的燒製會變成堅不可摧的炻器，如同人在複雜環境中歷經時間洗鍊而產生新的素質一般。對應政局動盪與戰火衝突的 2025 年，深盼通過此展，向眾人傳遞信念與希望，無論何種境遇，我們都可以選擇創造。」
由當代抽象表現主義藝術家藤村真(Makoto Fujimura)的作品〈Kairos – Stardust(神聖時刻－星塵)〉揭開的視覺與精神之旅，為觀者鋪陳出凝視時間的神聖視域。顫動的色層、細閃的微光，金粉游移其間，既似光線中飛揚的塵埃，也似宇宙星辰，微弱卻堅定，又如尚未凝結的希望，在時間的隙縫中閃爍生姿。這是觀者步入展場的第一道感知訊號，亦象徵「塵」與「金」交會時，一種稍縱即逝卻能轉化感知的臨界時刻。
藤村真善於運用日本傳統膠彩畫 Nihonga 的媒材——天然礦物顏料(包括孔雀石、雲母粉等)和高強度日本和紙——為基礎，經由緩慢的反覆上色與塗層堆疊，以及水分控制，使色層自然積聚與顯現，創造出具深度、透明感和光感的畫面；而將金粉、青金石礦物顏料層疊營造如「金繼」般修補裂痕的視覺效果，則讓作品在靜觀中綻放神聖光輝，釋放創傷與治癒並存的內在張力。
金箔、銀箔，白金等礦物材料的使用，會隨空氣、濕度、光照而產生細緻變化，令作品猶如時光的載體，又因選擇顆粒較大的礦物，畫面色澤呈現晶瑩折射感。
藤村真將創作視為一種靜默的祈禱與恩典的彰顯，藉由畫布承載情感與精神經驗；他關注破碎、裂縫與沉默的意象，並在其中尋找更新與轉化的可能，其對「內在亮度」的探尋，也體現在對光的處理上——光並非從畫布之外照入，而是從色層深處透出，依循物質自身特性綻放出光澤。
與藤村真的畫作相互映照的，是陶藝雕塑家道川省三(Shozo Michikawa)的陶土雕塑，為空間創造出動態起伏的地景，一場無聲的對話，在塵與金、光與土、裂與光澤間，悄然展開。
道川省三以陶土、火焰與落灰為素材，於器型尚未乾固之際，進行摔打、旋轉、割裂與解構。在強烈高溫與高能動力作用下，作品表面遺留劇烈的轉動與裂解痕跡，衍生出豐富的質地與偶發的型態，往往更像自然現象的產物。道川視自然為合作夥伴，目的是引出材質的「自然意圖」，感受從自然汲取的力量。
他特別呼應《Dust and Gold 塵與金》的核心意象，於部分作品中融入金和銀的元素，金屬的光澤如微光般浮現於陶土肌理之上，為自然燒成後的粗礪表面注入一絲靈光的閃現，其所帶來的三種創作系列：「Natural Ash」展現火與灰燼交織的生成、「Volcano」延續他對地殼爆裂與能量釋放的直觀回應、「Kohiki」則透過細緻柔和的肌理，扣連展中對信念與內在光源的探求。在火、土與金屬交錯間，藉三種形式提出關於轉化與承載的可能，亦為本展營造時間壓縮後的深刻回音。
《Dust and Gold 塵與金》從對物質的敏感觸覺與精神的深度追尋出發，交織出關於時間與物質的詩性對話。展覽由三個篇章構成，第一篇章【在無聲中閃耀】邀請觀者處靜默以感知，細品材質的質地與空間的光影，開啟聆聽沉默與凝視時間的練習，亦由此重新定義「閃耀」——光，不再來自強度，而是來自於無聲中的內在震動。
第二篇章【逆境中綻放】以相對活躍的空間節奏來鋪排，展件之間於斷裂與衝突的語境中激盪，傳遞出不迴避混亂，而是選擇直視並接納逆境的精神；在破裂、皺摺而失序的視覺張力中，空間猶如盛裝不確定性與殘缺之容器，被賦予孕育轉化與重生意志的能量之源。
第三篇章【行走在水面上】是展覽最為安然的區域，且回應了對藤村真〈Walking on Water〉系列作品所呼召的信念——水象徵著混沌與不穩定，行走在水面上意謂在不確定中仍然選擇相信與前行。在動盪不息的現實中，此空間試圖喚起一種內在的穩定狀態——面對無常的韌性。
共同策展人李晏禎說：「在展覽的尾聲，我們希望觀眾能停下腳步，靜靜感受。藤村真的作品雖未直接描繪水面，但透過色彩的層次與筆觸的流動，仍能感受到水的姿態與力量。當觀眾專注凝視時，作品彷彿正向他們敞開，邀請一段如祈禱般的相遇。」
藤村真作品《獨白》
《獨白》系列最初取自紐約狄龍畫廊(Dillon Gallery)為藤村真與法國藝術家喬治・魯奧(Georges-Henri Rouault, 1871–1958)舉辦的雙個展主題。作品不僅呼應兩位藝術家在色彩、光與人文關懷上的對話，更延伸為藤村真對世界與人性奧秘的探問，進而引導觀者進入深層的思索。
《獨白》系列涵蓋〈起源〉（Genesis）、〈受難〉（Passion）、〈悅〉（Joy）等作品，透過深沉的暗黑色調鋪陳空間，以綠與藍的潑灑帶來生機，並以層疊的金箔結構回應光的象徵。金箔在畫面中閃爍變化，既如受創後的裂縫上滲出的光，又象徵虔敬與獻祭，使畫面在陰影與光輝間折射出希望。其多層次的光澤營造出沉靜而深邃的氛圍，引導觀者進入無聲的冥想境地。
道川省三作品
這件黑色炭化的〈Volcano Sculptural Form〉火山作品，在充滿木炭的匣缽中燒製而成，展現同火山噴發般充滿張力，也回應道川二十多歲時，親歷北海道的有珠山火山爆發，火山灰覆蓋城市的壯觀與破壞，令他對無常、失衡與轉化有所體悟。從拉坯、切割到旋轉，他讓陶土沿著裂縫鼓脹、破裂，並在高溫炭化後，再次以低溫燒銀釉來強調細節與平面，呈現出優雅洗練的效果。表面肌理與天然釉色宛若岩石與地殼的痕跡，作品更像自然生成，而非人為雕琢，讓觀者感受到大地能量與時間流動的力量。
